CLEVELAND, Ohio – Il y a toujours quelque chose de nouveau à apprendre sur les histoires les plus anciennes et les plus familières de l’histoire de l’art. C’est particulièrement vrai de la nouvelle exposition impressionnante de dessins français du XIXe siècle du Cleveland Museum of Art dans sa collection.

En tant qu’exposition d’œuvres sensibles à la lumière sur papier, cette exposition est un événement rare. Vue jusqu’au 11 juin, l’exposition gratuite contient des œuvres destinées à être conservées, peut-être des années, avant de réapparaître. C’est une opportunité à saisir tant qu’elle est encore disponible.

Animée par Britany Salsbury, conservatrice associée des estampes et des dessins du musée, l’exposition répète l’histoire du rôle important joué par l’art français dans l’essor de l’art moderne alors qu’une génération de jeunes artistes d’avant-garde s’est rebellée contre les traditions conservatrices établies par principales écoles d’art officielles du pays. , Ecole des Beaux-Arts de Paris.

Avec près de 50 exemples datant de la fin du XVIIIe au début du XXe siècle, l’exposition retrace la trajectoire de l’art français du néoclassicisme à l’impressionnisme et le bouquet de styles postimpressionnistes qui se sont rapidement développés.

Collection croissante

L’exposition révèle également la croissance de la collection du musée d’images du XIXe siècle en France, montrant comment le musée relativement jeune, qui a ouvert ses portes en 1916, a rivalisé avec d’autres musées plus établis de la côte Est pour établir ses collections extraordinaires.

L’étiquette accompagnant l’image comprend un numéro d’accession indiquant l’année au cours de laquelle l’image individuelle a rejoint la collection du musée, ainsi que le nom du donateur ou des fonds mobilisés pour acheter l’œuvre d’art. Les noms historiques incluent Jeptha H. Wade II (1857-1926), l’un des fondateurs du musée, et Leonard C. Hanna, Jr. (1889-1957), l’un de ses principaux bienfaiteurs.

Plus important encore, l’événement a présenté, ou réintroduit selon sa familiarité, certains des artistes les plus célèbres du monde, dont Jean Auguste Dominique Ingres, Edouard Manet, Georges Seurat, Henri de Toulouse Lautrec, Paul Cézanne et Edgar Degas.

Le dessin est une forme directe, informelle et intime de création artistique. Les artistes d’hier et d’aujourd’hui créent souvent des dessins comme moyen de pratiquer des compositions plus grandes et plus « finies » dans des peintures ou des sculptures. Les dessins peuvent également être considérés comme des œuvres finies en eux-mêmes. Dans le cas de la nouvelle exposition du musée, chaque artiste peut être identifié par son étonnante capacité à dessiner avec une assurance virtuose d’une manière très particulière et reconnaissable.

La magie du toucher

La magie du dessin réside dans la touche de l’artiste. C’est une forme de performance où, comme le toucher d’un grand pianiste sur le clavier ou un violoniste jouant de l’archet sur les cordes, il n’y a nulle part où se cacher. Tout est dévoilé.

La touche d’Ingres dans ses portraits et études monochromes est pure, nette, élégante, extrêmement maîtrisée. Degas, inspiré par Ingres, a travaillé de manière visiblement plus rapide, plus courte, plus ouverte pour créer des marques très assurées, mais aussi rugueuses et texturées, montrant le grain du papier avec lequel il travaillait.

Les lignes de Lautrec sont intensément descriptives, nettes et pleines d’esprit, mais aussi fluides, avec une élasticité coup de fouet. Dans les dessins mystérieux de Seurat aux riches crayons de couleur noirs, les lignes disparaissent. Dans le cas de l’un des dessins du musée, « Au Concert Parisien », 1887-88, un achat de 1958 effectué avec des fonds donnés par Hanna, les textures des champs d’obscurité et de lumière se rejoignent pour représenter une scène de café où le haut chapeaux les hommes écoutent un chanteur sur une scène éclairée par des lampes à gaz.

Comment les Français sont-ils devenus si bons en dessin et comment les théories et les styles qu’ils ont explorés ont-ils pu avoir une telle influence dans l’histoire du modernisme ?

L’Ecole des Beaux-Arts en est en partie responsable. Les académies officielles, et les écoles qui s’en inspirent, fondent leur formation sur le dessin de la figure humaine soit à partir de moulages de la sculpture classique antique, soit à partir de modèles vivants. Ces camps d’entraînement fournissent une base que les artistes peuvent ensuite respecter, adapter ou rejeter.

L’exposition du musée offre le meilleur exemple de dessin d’après nature dans une paire de dessins réalisés en 1810 à la craie noire et blanche par l’artiste Pierre-Paul Prud’hon qui représentent un modèle féminin d’un côté et un modèle masculin de l’autre côté d’un feuille unique. de papier bleu clair. Il faisait partie d’une cache de plus de 100 exemplaires trouvés dans l’atelier de Prud’hon à sa mort en 1823, selon le catalogue de l’exposition.

Ingres, qui incarnait la tradition classique dans l’art français du XIXe siècle, a utilisé ses techniques académiques très raffinées dans de grandes peintures formelles de sujets historiques et mythologiques privilégiées par le Salon officiel de Paris, l’exposition annuelle ou bisannuelle de l’Académie des Beaux-Arts.

Il a également réalisé des portraits de contemporains d’élite dont Madame Désiré Raoul-Rochette, sujet d’un excellent dessin réalisé en 1830 et acquis par le musée de Cleveland en 1927 grâce à l’argent d’un fonds créé par Wade.

La gouvernante sur la photo d’Ingres était l’épouse d’un conservateur à la Bibliothèque Nationale de France qu’elle devint plus tard secrétaire perpétuel de l’Académie des Beaux-Arts. Elle était également la fille du célèbre sculpteur français Jean-Antoine Houdon, célèbre pour ses portraits de Voltaire, Thomas Jefferson et George Washington.

Le dessin, créé au graphite, une forme de carbone cristallisé couramment utilisé dans les crayons, est composé de lignes fines et très descriptives et d’ombres douces qui transmettent un sens presque photographique de précision et d’honnêteté. Bien que clairement créée avec une série de traits successifs, l’image est si unifiée dans sa technique qu’elle semble apparaître sur sa feuille de papier en une seule bouffée facile.

Décrit la vie moderne

Les dessins ultérieurs de l’artiste dans une exposition généralement chronologique incarnent le désir des générations futures d’artistes français d’embrasser des images contemporaines de la vie, qu’elles représentent des citadins ou des paysans ruraux.

Des exemples remarquables incluent le dessin de 1863 de l’amateur d’art Honoré Daumier dans un chapeau haut de forme surveillant une exposition, et l’aquarelle et le dessin au crayon observateur de Rosa Bonheur d’un cerf couché dans un champ, réalisé entre 1875 et 1885.

Il y a aussi un impressionnant dessin de 1836 d’un jeune berger par Jules Dupré, que le musée a acquis en 2009 dans le cadre d’un héritage de la collectionneuse Muriel Butkin.

Réalisé à la craie noire, le dessin représente une jeune fille assise enveloppée dans une robe épaisse tenant un bâton qu’elle utilise pour guider son troupeau. Occupant un terrain d’entente entre les représentations sentimentales de la vie paysanne et les images du travail des enfants, l’image a un sens clair de l’actualité créé par les pastels blancs utilisés par l’artiste pour mettre en évidence le ciel derrière lui, soulignant sa présence physique.

La pièce maîtresse de l’exposition est sans doute l’extraordinaire trio de dessins de Lautrec, dont une œuvre de 1893 à l’huile et à la détrempe sur une planche représentant Monsieur Boileau, qui a écrit des histoires trash sur un demi-monde parisien pour un tabloïd.

Lorsque le musée acquit l’œuvre en 1925, il s’agissait de la première œuvre d’art unique de Lautrec, par opposition à une estampe ou une affiche, acquise par un musée d’art américain. Cleveland était au premier plan dans les bras de Lautrec, qui était connu pour son image très attentive et souvent candide des danseuses et des putes de boîte de nuit.

Outre des exemples de Degas, Manet, Cézanne et leur puissant contemporain Odilon Redon, l’exposition comprend également une image lumineuse de 1890 d’Armand Point, une figure moins connue qui mérite encore plus d’attention.

Utilisant habilement des couleurs pastel, l’artiste d’origine algérienne représente Helen Linder, mannequin et partenaire habillée à la mode, gravissant les marches d’une passerelle au bord de la Seine au coucher du soleil.

Acquise l’année dernière, l’image capture le romantisme et la beauté de Paris dans une image qui aurait pu être tirée d’un film hollywoodien. Cela montre également que la collection exceptionnelle de dessins français du musée de Cleveland continue de croître.