L’opéra n’est pas une chose, comme beaucoup le savent. L’opéra est plutôt un terme générique désignant un grand nombre de catégories et de types différents, allant du plus typique au plus bizarre. Alors que Mozart aurait un aspect différent, Monteverdi et Wagner auraient un aspect différent. Bien sûr, ils suivent tous le même chemin, mais leurs styles les ont menés dans des directions différentes.

Si tu continues Wikipédia, vous trouverez des catégories dédiées à des sujets de différents genres d’opéra, mais je veux garder les choses simples. Plutôt que d’essayer de comprendre TOUS les sous-genres d’opéra en même temps, il est utile de diviser la tâche en plusieurs grands groupes. Il s’agit de la première partie d’une série en trois parties axée sur différents genres d’opéra, du XVIIe siècle à nos jours !

Parce qu’il est si important que l’opéra soit joué non seulement sur scène, mais aussi hors scène, dans cet article, nous examinerons trois regroupements généraux de catégories d’opéra, et quelques exemples de chacun, afin que vous y soyez. -à savoir pour votre prochaine comparution.

Si vous allez à l’opéra un soir, vous rencontrerez sûrement l’un des cinq types d’opéra les plus courants encore joués aujourd’hui dans les opéras du monde entier. Ils: Opera seria, opera buffa, opera semiseria, opéra-comique, Et grand opéra. Mais de quoi s’agit-il et quels sont quelques exemples concrets sur scène ?

Série Opéra

Développé au XVIIIe siècle avec l’avènement de « bel canto » (Beau chant) et popularisé par des compositeurs similaires Antonio Vivaldi, Joseph Haydn, Et Giovanni Pergolèse, ce style est devenu la méthode lyrique dominante au cours de la première moitié du siècle. Le style est reconnu par sa structure iconique, un échange de mouvements musicaux entre récitatif et musique, commençant souvent par une ouverture construite en « da-capo » formulaire.

Vous pouvez souvent dire que vous regardez un opera seria par la nature « sérieuse » du sujet de l’opéra, ainsi que par la nature des airs de l’opéra. Ce genre d’opéra a été créé pour exprimer des idéaux universels, une histoire moraliste, une allégorie d’une sorte de leçon que le public pourrait apprendre et sur laquelle réfléchir. Ces thèmes idéaux sont tirés du théâtre grec, avec de nombreux opéras utilisant des personnages représentant les dieux et la vertu. Le public de ces opéras était généralement la cour et la noblesse, de sorte que les opéras n’étaient jamais vraiment destinés à la consommation publique. Dans la seconde moitié du XVIIIe siècle, l’opéra seria était en déclin relatif alors que le style antithétique de « l’opéra buffa » (ou opéra-comique italien) rivalisait avec la suprématie de l’opéra seria.

Des exemples de ce style incluent le style de Christoph Gluck «Il Parnaso est confus» l’œuvre de Léonard de Vinci «L’Eraclea», de Wolfgang Mozart « La clémence de Titus » et le fameux Rinaldo par George Haendel.

Opéra Buffa

À mesure que l’opéra seria s’éloignait de plus en plus du public, le style plus accessible de l’opéra buffa gagna en popularité. Signifiant « opéra-comique », ce style se reconnaît à ses thèmes et intrigues beaucoup plus drôles, ainsi qu’à ses lignes mélodiques plus rapides et plus éloquentes, ainsi qu’au style distinctif des textes chantés entre ou avant les airs et les scènes appelés « opéra-comique ». « parlando » (récitatif). Le style se concentre sur la précision technique du chanteur, ainsi que sur sa capacité à incarner pleinement un personnage et à faire preuve d’humour avec ses collègues chanteurs.

À l’époque, « castré » est également progressivement supprimé afin que la virtuosité continue d’être la marque d’un artiste d’opéra de qualité. Les développements ultérieurs incluent des solos, des duos, des trios et des ensembles ; une extension des formes autorisées dans le style précédent. Avec ce style, la petite bourgeoisie est désormais représentée sur scène, et souvent aux dépens de la noblesse. Les éléments courants de l’opéra bouffe sont des parodies des problèmes des élites et de la mauvaise gouvernance. L’opéra bouffe est l’une des principales raisons pour lesquelles l’opéra est devenu une forme normalisée de divertissement musical, même si au XIXe siècle et avec la naissance du romantisme, ce style a été rapidement remplacé par d’autres formes beaucoup plus dramatiques.

Des exemples de ce style incluent le style de Giovanni Pergolesi « La Serva Padrona » propriété de Niccolò Piccini « La bonne figliuola », Les Noces de Figaro de Mozart et propriété d’Antonio Sacchini « La Contadina di Corte. »

Semi-série d’opéra

Bien que de nombreux opéras de la seconde moitié du XVIIIe siècle soient considérés comme un mélange d’opéra « sérieux » et d’opéra « comique », il est important d’isoler le genre de l’opéra semisérie (« drame giocoso », ou « drame à plaisanterie »). Bien que le drame giocoso ait été, historiquement, le premier, il a été développé à la fin du XVIIIe siècle par «École néopolitaine »» compositeurs de la région de Naples, en Italie – l’opéra semiseria a trouvé sa popularité au début du milieu du XIXe siècle, avec des compositeurs tels que Gioachino Rossini et Gaetano Donizetti.

D’ailleurs, le plus grand nom non compositionnel issu des deux styles, et de ceux qui les ont précédés, est celui du librettiste italien. Carlo Goldoni. La principale différence entre les deux styles est que si l’opéra semiseria penche plus souvent vers des éléments sérieux en ce qui concerne le scénario, mais comiques en termes de personnages et de relief comique, le drame giocoso se termine toujours de manière heureuse, généralement dans la jubilation. notez, avec moins d’accent sur la partie « relief ». Il faut dire que les différences sont rares, même si le drame giocoso est plus souvent associé à l’opéra bouffe et moins à la semisérie. Concernant la semisérie, c’est la version italienne « Comédie larmoyante » (également connu sous le nom de « mélodramma semiserio »).

Des exemples de ce style incluent « Cosi Fan Tutte » de Mozart. Ferdinando Paer‘S « Griselda », « La sonnambula » de Vincenzo Bellini et « La Cenerentola » de Rossini.

Opéra BD

Ne pensez pas que l’opéra-comique était limité à l’Italie, en France, ce style a été développé avec le titre français ‘ojuste des bandes dessinées.’ Semblable à bien des égards à d’autres genres de divertissement musical français tels que comédie en vaudevilles, Les opéras-comiques français sont reconnus par leur utilisation de la langue française, ainsi que par les caractéristiques de l’opéra bouffe, notamment des intrigues compréhensibles, des personnages de la vie quotidienne et, surtout, des situations humoristiques aux résolutions édifiantes. Ce style hérite de nombreux styles précédents connus sous le nom de ‘comédie mêlée d’ariettes’ (comédie mêlée de petits airs), répandue pendant Ancien Régime et popularisé par des compositeurs tels que Gluck et Pierre-Alexandre Monsigny.

Que « Querelle des Bouffons » (La Querelle des acteurs comiques), qui fit rage entre 1752 et 1754, était une controverse esthétique controversée discutant des mérites de l’opéra-comique français ou italien. Finalement, cette dernière n’a pas été jugée « adaptée » aux goûts français. Néanmoins, une scène domestique a émergé et, après un certain temps, le style emblématique du divertissement théâtral français vaudville a fait son chemin dans l’opéra-comique italien, formant ce que nous appelons l’opéra-comique. Compositeur André Grétry sans aucun doute l’un des plus grands noms de ce style, ses œuvres combinent des sujets politiques et une gestion magistrale des thèmes de la sensibilité française et des Lumières.

Des exemples de ce style incluent le style Monsigny «Le déserteur» de François-André Philidor « Tom Jones » Celui de Luigi Cherubini «Lodoïska», et Daniel Auber « Frère Diavolo. »

Grand Opéra

Au fur et à mesure que le XIXe siècle avançait, le romantisme commença à tout réorienter, de la philosophie et de l’art à la politique et au-delà. Contre-Lumières le mouvement qui en est né – l’opéra a également changé. À mesure que de grands théâtres commençaient à apparaître et que la classe moyenne supérieure bourgeoise se développait, la demande de théâtre et de luxe augmentait. L’époque des spectacles de la « classe ouvrière » et des récits compréhensibles est révolue. À sa place, une partition orchestrale à grande échelle et très grandiose, des décors, des costumes, des éclairages et une intrigue ornée étaient recherchés, accompagnés d’une histrionique vocale hautement mélodique, charmante et mémorable.

Traditionnellement, une intervention chirurgicale majeurec’estOn pense que ra a commencé en France, où « l’opéra romantique français » est apparu pour la première fois. Popularisé par des compositeurs tels que Rossini, George Bizet, Giacomo Meyerbeer, Gaetano Donizetti, Michael Balfe, Hector Berlioz, Charles Gounod et Camille Saint-Saëns, Le grand opéra consiste à raconter de grandes histoires avec autant de détails que possible, tant visuellement, musicalement et vocalement. L’âge d’or du grand opéra s’est produit au milieu du XIXe siècle, lors des premières reformulations de l’opéra de Wagner. Vous pouvez reconnaître les opéras de cette période à la beauté de leurs textures musicales, au drame de leurs costumes et décors, à leur concentration sur les contes héroïques, à leur utilisation intensive de l’exotisme et à leurs intrigues tirées de contes « orientaux » et de lieux comme le Moyen-Orient. et Extrême-Orient.

Des exemples de ce style incluent le style Meyerbeer «Les Huguenots» « Guillaume Tell » de Rossini, « Faust » de Gounod, « Les pêcheurs de perles » de Bizet et « Les pêcheurs de perles » de Berlioz «Les Troyens».